Armamos la imagen con el retrato
1.- abrimos el sitio: REMOVE
2.- SUBIMOS UN RETRATO Y LO DEJAMOS SIN FONDO
3.- Descargamos la imagen.
4.- Abrimos la carpeta con los FONDOS
5.- Con paint3D o en canva unimos el fondo nuevo con el retrato
6.- Subimos la imagen resultante AQUI
El eje
cinematográfico es la línea imaginaria que une los ojos de los
personajes que están en la pantalla. Las cámaras se deben colocar en el
mismo lado del eje, y sólo se le puede saltar en ocasiones muy
determinadas; porque se desubicaría al público al no respetar el
establecimiento de la localización de los personajes y la dirección de
la acción, del viaje o de la mirada.
La ley del eje es complementaria al raccord de miradas y al de
dirección. Para no perder la continuidad es necesario que se de un
cambio de eje de la cámara: inferior a los 180 grados para evitar el
salto de eje, y superior a los 30 grados para evitar una sensación de
repetición, a menos de que vayan acompañados por un cambio de escala muy
marcado. Cuando dos personajes se encontraban en la pantalla de un
plano (tamaño) relativamente próximo, las posiciones respectivas
establecidas en el primer plano (personaje «A» a la derecha, «B» a la
izquierda) deben ser respetadas en los planos siguientes, so pena de
crear una confusión para la vista, al tener el espectador
invariablemente la impresión de que una inversión de posiciones en la
pantalla corresponde a una inversión en el espacio «real».
Todo movimiento rectilíneo ( o eje de miradas) realizado ante una cámara discurre en una dirección en el plano, marcando un EJE DE ACCIÓN que no se debe saltar para no confundir al espectador. Aquí asea plica la técnica del SEMICÍRCULO: a un lado del eje de acción se puede situar la cámara sin problemas; cualquier toma desde este lado del recorrido producirá una misma dirección del movimiento del sujeto en la pantalla. Pero si colocamos la cámara al otro lado del eje de acción, automáticamente el sujeto pasará a moverse en dirección contraria. Se habrá producido el SALTO DE EJE.
En esta escena de Los Pájaros, Hitchcock muestra en cada nuevo plano a uno o varios clientes escuchando la conversación de Melanie. El cambio de plano de la anciana ornitóloga yendo a la máquina legitima el corte utilizando raccord de cuadros comunicantes, eso es, se aprovecha la salida de cuadro de un personaje para cortar a la ubicación destino (capturando la entrada del personaje en el nuevo cuadro). Al seguir a la ornitóloga hemos cambiado la cámara al otro lado del eje Melanie-camarero. Cuando Hitchcock vuelve a mostrarnos al camarero (desde la anterior posición de la cámara) se produce un salto de eje.
Si consideramos en un plano dos ángulosde toma que corresponden a dos encuadres sucesivos del mismo sujeto, es importante que los dos ejes sucesivos de la cámra tengan entre ellas un ángulo de por lo menos 30º. En el transcurso del paso entre dos encuadres sucesivos es recomendable modificar la escala del plano (al menos un paso)
La proporción entre el tamaño de los planos es un aspecto fundamental a la hora de conseguir transiciones suaves, y por lo tanto, mantener la continuidad narrativa. No podemos pasar de un plano a otro en los que la composición y el tamaño sean casi los mismos, porque ese cambio tan ligero produce cierta incomodidad en el espectador. Las transiciones entre planos deben realizarse cuando ambos tengan una composición absolutamente diferente y cuando el cambio de distancia con relación al objeto sea perfectamente visible. También debe mantenerse la regla de la proporcionalidad en las angulaciones de los planos, las transiciones conviene hacerlas sobre ángulos iguales, o por el contrario completamente diferentes (un cambio de posición de 90º ofrece una variación sin lugar a confusiones, en cualquier caso no debe ser inferior a 30º para no saltarse la regla del mismo nombre.
Este es un aspecto importante de continuidad. Los ejes de mirada tienen que corresponderse para mostrar que los dos actores se están mirando entre sí. Por supuesto, es posible que en realidad no hayan estado juntos en rodaje, pero la edición de los planos crea esta relación.
Hace referencia al método “de aquí para
allá” que a menudo se utiliza en las conversaciones y los planos de
reacción. Aunque existe el plano – contraplano ausente a los fines de
ocultar cosas e inquietar al espectador por omitir el contraplano.
En los planos – contraplanos se suele incluir el “escorzo” que es la silueta del personaje que está de espaldas.
Debe de existir una continuidad de contenido. Por ejemplo, si el actor ha descolgado un teléfono con la mano derecha en el primer plano, es necesario que el teléfono esté todavía en su mano derecha en todos los planos posteriores. Parte del trabajo del montador es asegurarse de que se mantiene la continuidad cada vez que se monta una secuencia de planos.
En la imagen que vemos, observamos un gran fallo en la continuidad de contenido ya que en la primera toma vemos el cigarrillo que se encuentra consumido hasta la mitad; pero en la toma siguiente, como por arte de magia, ¡¡¡el cigarrillo aparece como recién prendido!!!
La continuidad también es importante en la posición del actor o sujeto en la pantalla. Si un actor se encuentra en el lado derecho de la panta¬lla en el primer plano, debe estar también en lado derecho en el plano siguiente. A menos, por supuesto, que en la pantalla se haya visto un cambio de escenario que varíe esto.
La continuidad del sonido y su
perspectiva tiene una importancia crí¬tica. Si la acción sucede en el
mismo lugar en el mismo “momento”, el sonido continuará de un plano al
otro. Si en un plano aparece un avión en el cielo, y se oye, es
necesario que se oiga también en el plano siguien¬te, hasta que el avión
se pierda en la distancia. Incluso si el avión no se ve en el segundo
plano, eso no significa que no tenga que oírse.
Además, en los planos que tengan lugar en el mismo escenario y al mismo
“tiempo”, habrá una similitud general en el sonido de fondo. Esto se
conoce como ambiente de fondo o atmósfera. La atmósfera debe tener
continuidad.
Si
te interesa ampliar sobre el tema del sonido, acá te agregamos un link
de una página que se explaya ampliamente sobre los aspectos a tener un
cuenta. Suerte!!
http://html.rincondelvago.com/banda-sonora.html
http://www.dtic.upf.edu/~perfe/cursos/postaudio/tema3.html
El montaje debe dar una sensación de continuidad y homogeneidad que se sintetiza con la idea del raccord (enlace en francés)
El raccord se define como un cambio del plano insignificante como tal o
transparente en el que se preserva una absoluta continuidad de una
imagen a otra.
Sirve para conseguir una unidad de sentido a lo largo del relato, es decir, que las tomas sean coherentes entre si.
Un plano nos muestra un personaje que
mira algo generalmente fuera de campo, el plano siguiente muestra ese
algo en primer plano que puede ser a su vez otro personaje mirando al
primero. Pueden estar los dos en campo y verse la cara de uno y la
espalda del otro y viceversa.
El raccord de miradas y el de dirección implican la proximidad espacial
entre dos planos. Cuando el plano A y el plano B muestran separadamente
dos personajes que se miran, es preciso que el personaje «A» mire hacia
el borde derecho del encuadre y el personaje «B» hacia el borde
izquierdo, o inversamente. Si en dos planos sucesivos, los personajes
miran ambos hacia el mismo borde del encuadre, la impresión
inevitablemente producida será que no se miran.
Es necesario dejar un espacio de referencia entre los ojos del actor y el extremo del encuadre hacia el que mira el sujeto.
El «raccord de dirección» consiste en que un personaje o vehículo que sale del encuadre por la izquierda para entrar en un nuevo encuadre que muestra un espacio vecino o «consecutivo» deberá obligatoriamente entrar por la derecha; de lo contrario, dará la impresión de haber cambiado de dirección. En una persecución, la dirección en la pantalla de perseguidos y perseguidores ha de ser por tanto la misma.
La continuidad también se aplica a la
dirección del movimiento. Si el actor o sujeto se mueven de derecha a
izquierda en el primer plano, se espera que el actor o sujeto se muevan
en la misma dirección en el plano posterior, a menos que en el plano se
vea que existe un cambio de dirección.
Un movimiento con una dirección y velocidad determinados se vera
continuiado en el siguiente plano con velocidad y direcciones
equivalentes.
El primer “axioma” del montaje es cortar
en la acción. Consiste en iniciar un gesto al final del plano A y
concluir el gesto al principio del plano B. La razón por la que la
mayoría de los cortes se realizan mientras los actores llevan a cabo
cualquier movimiento es porque éste distrae la atención del espectador y
así no nota el cambio de plano. Ej: Descolgar un teléfono => Paso de
PG a PMC o abrir una puerta.
La particularidad que presenta el raccord en el movimiento es un efecto
de borrado que permite suprimir algunos de los fotogramas de los dos
planos que se engarzan sin que sea posible distinguir su superposición
momentánea.
El número de imágenes que pueden suprimirse es más elevado cuanto mayor
sea la diferencia de tamaño entre los dos planos que se cortan y cuanto
más rápido es el movimiento.
En el rodaje de dos movimientos sucesivos de una misma situación, separados por otra imagen, la cámara se acercará o alejará en relación al primero siguiendo la misma dirección.
En la imagen que vemos a continuación, observamos que la cámara se desplazó únicamente en cuanto a la distancia con el personaje, sin cambiar el ángulo ni la dirección de la toma
La animación es el proceso que logra dar movimiento a dibujos u objetos inanimados por lo general. Esto es posible gracias a una secuencia de dibujos o fotografías que al estar ordenadas consecutivamente logran generar un movimiento creíble ante nuestros ojos, los cuales se prestan al juego de la ilusión visual. Por ejemplo si queremos generar la sensación de una caminata en un personaje, deberíamos dibujar cada uno de los pasos que realizará en hojas separadas (cada hoja dibujada con una pose distinta se define o se conoce como "fotograma" o "frame") para que al pasarlos consecutivamente, percibamos la sensación de movimiento. La calidad de este movimiento dependerá de la paciencia, esfuerzo y dedicación que le dediquemos al proceso.
JUGUETES OPTICOS
Todo el proceso antes explicado es el procedimiento básico para desarrollar la tarea, sin embargo animar es algo más que eso, ya que si profundizamos más en la palabra "animar" encontraremos que su origen parte del latín: "Anima" cuyo significado será "Alma". Por lo tanto podríamos decir que Animar es dotar de Alma a dibujos o elementos que no la tienen. Darle alma a un objeto es un trabajo que tiene mucho más que ver con un proceso artístico que mecánico. La animación parte de la observación de los seres vivos que nos rodean. Esta observación nos permitirá a los animadores darle un toque más real, más humano a elementos tan simples como un cuadrado, un logotipo, un personaje creado o hasta una lámpara de escritorio. TIPOS DE ANIMACIÓN 1- Dibujos Animados o Animación Tradicional Consiste en dibujo cuadro a cuadro o fotograma a fotograma. En sus inicios se realizaba a través del dibujado y pintado de cada cuadro (incluido el fondo, escenario o background de la animación), para luego ser filmado en una cinta de pelicula En la década de 1910, se agiliza el proceso al aparecer la animación por celdas, inventada por Bray y Hurd, la cual consistía en usar laminas trasparentes (conocidas como acetado), en las que se animaban los personajes sin tener que pintar el fondo en cada fotograma. En la actualidad se utilizan diversos medios digitales. 2- StopMotion Técnica de animación que no entra en la categoría de dibujo animado. Consiste en aparentar los movimientos de objetos estáticos, capturando fotografías cuadro por cuadro o movimiento por movimiento. Se divide en : - Animación de plastilina o claymotion (material maleable) - Animación de objetos rígidos 3- Pixelación Variante del stop-motion en la que los objetos no son ni modelos (muñecos y plastilina) ni maquetas, sino que son objetos comunes e incluso personas. Al igual que en el StopMotion Los objetos son fotografiados repetidas veces y desplazados ligeramente entre cada fotografía. 4- Rotoscopía Este tipo de animación consiste en dibujar directamente sobre la referencia, por ejemplo sobre los cuadros de la filmación de una persona real. En Blancanieves, la protagonista del primer largometraje animado de Disney fue animada de esta forma. Se le considera un precursor del "mocap" o motion capture, nombre con el que se le conoce a la captura de movimiento por ordenador utilizado para recrear personajes digitales en el cine, como por ejemplo "Golum" de la trilogía "El Señor de los Anillos". Existe cierto grado de controversia sobre si la rotoscopía es una autentica animación y sobre su valor artístico como tal. 5- Animación por Recortes ó Cut out Animation Técnica que usa figuras recortadas, ya sea papel o fotografías. Los miembros del cuerpo de los personajes se construyen a base de recortes. La animación se logra moviendo y reemplazando las partes del cuerpo recortadas. Dentro de los primeros animadores en usar esta técnica fue el argentino Quirino Cristiani, quien realizó el primer largometraje animado de la historia llamado "El Apostol" 6- Animación 3D En la animación en tres dimensiones un programa editor permite realizar animaciones y simulación de texturas, iluminación, movimiento de cámaras y efectos especiales. Es una herramienta completa y maravillosa cuando el animador que la maneja sabe dotar de alma a sus elementos. 7- Otras Técnicas - Existen muchas técnicas de animación que sólo han sido utilizadas por unos y que son desconocidas para el gran público. Cada día muchos animadores exploran y descubren más de ellas. Entre estas se incluyen: • Pintura sobre cristal • Animación de arena • Pantalla de agujas • Pintura sobre celuloide. FUENTE: https://pixel-creativo.blogspot.com/2012/09/que-es-animacion.html
